FFW

Hard Ton @ Clube Glória ©Juliana Knobel/FFW

HOT CHIP @ PLANETA TERRA 2010: O ELETRÔNICO NERD E SEXUAL

BELLE & SEBASTIAN @ VIA FUNCHAL: CULTO RELIGIOSO-INDIE, DE GLASGOW PARA SÃO PAULO

QUEENS OF THE STONE AGE @ SWU: ROCK, GUITARRAS E JOSH HOMME

RAGE AGAINST THE MACHINE @ SWU: ANARQUIA MADE IN ITU E O FIM DA ÁREA VIP

HARD TON @CLUBE GLÓRIA: PESO PESADO DA ÍTALO DISCO ESTREMECE CLUBE PAULISTANO

THEOPHILUS LONDON @COMITÊ CLUB: MUITO TALENTO E POUCO PÚBLICO

FUCK BUTTONS @MIS: UMA EXPERIÊNCIA MUSICAL E SENSORIAL

STROKES @LONDON: SHOW SECRETO DA BANDA AMERICANA LEVA FÃS AO DELÍRIO

BEYONCÉ @MORUMBI: CANTORA ATESTA SUA REALEZA POP COM MEGASHOW EM SÃO PAULO

Quando o burburinho ao redor de “The Social Network” começou, a primeira coisa que chamou a atenção do FFW estava no trailer: a antólogica “Creep”, hino deprê dos anos 1990, cantada pelo coral belga Scala and Kolacny. A escolha entrega, logo de cara, o tom que o filme dá ao seu personagem principal, Mark Zuckerberg, o criador do Facebook: dê um bilhão de dólares e um milhão de amigos a um loser, e ele continuará sozinho.

Dirigido por David Fincher (“Benjamin Button” e “Zodíaco”), o longa acompanha a criação da rede social em uma narrativa de três linhas do tempo amarradas com mão firme pelo roteiro.  Apesar de baseado em uma história real, quase tudo é ficção: o drama da vida real de Zuckerberg já dura alguns anos, ao contrário do ritmo frenético do filme.

O suspense é construído em cima de flashbacks, ligados aos dois principais processos que Mark levou na vida real após se tornar um bilionário. Um vem da elite de Harvard (representada pelos gêmeos Cameron e Tylor Winklevos, que deram a ideia original mas foram traídos por Mark, depois o processaram e levaram milhões); e o outro do brasileiro Eduardo Saverin, outro sócio e ex-amigo, distanciado pela presença de Sean Parker  (o fundador do Napster, em interpretação canastrona de Justin Timberlake), que coloca em cheque os valores (humanos, não numéricos) de Mark.

“Social NetWork” é um drama shakesperiano _há romance, ambição, riqueza, drama, traição_  que coloca a geração “Y” sob uma lente de aumento. A geração que vive uma realidade paralela online (a intenção inicial do site) mas tem a inteligência emocional de uma samambaia. A sensação é bem interpretada pelo protagonista, sempre inerte, que fala sempre baixo e jamais sorri, e todo o resto do elenco, distantes também pela fotografia que evita o contato físico _quase sempre os personagens estão sozinhos no quadro.

Também acerta a trilha sonora, conduzida por Trent Reznor, do Nine Inch Nails, numa constante tensão eletrônica fria e pulsante; e  a direção de arte, que retrata uma Harvard sombria.

Não há um desfecho conclusivo, muito menos um final feliz. Afinal, a trajetória de Zuckerberg na vida real (ele tem apenas 26 anos e é o bilionário mais jovem do mundo) não está nem perto de terminar. Mas dois avisos são válidos: este não é um feel-good-movie. E não importa quantos amigos você tenha, é melhor manter os negócios à parte.

“The Social Network” estreia nesta sexta-feira (05/11) no encerramento da 34ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, e nos cinemas brasileiros hoje, 03/12.

+ aredesocial.com.br

Aaron Johnson vive John  Lennon em “Nowhere Boy” ©Divulgação/Imagem Filmes

“Por que eu não posso ser o Elvis?”, indaga-se John Lennon em “Nowhere Boy”. “Porque Deus estava te guardando para ser John Lennon”, responde sua mãe. Ela estava certa. “O Garoto de Liverpool”, filme que explora a turbulenta infância e adolescência do fundador dos Beatles, chega aos cinemas brasileiros no dia 03 de dezembro _mas não espere uma história ligada à banda que o fez famoso.

Com 98 minutos, o longa-metragem é baseado no livro “Imagine This: Growing Up With My Brother John Lennon”, da meia-irmã Julia Baird, com roteiro adaptado por Matt Greenhalgh e direção de Sam-Taylor Wood. Mesmo sendo aclamado pela crítica britânica e premiado no Festival de Cinema de Londres, a produção teve arrecadação modesta: $3 milhões de dólares nas bilheterias.

Assista ao trailer:

A película começa com John, um garoto rebelde e com aspirações a rockstar, procurando a sua mãe biológica. Aos 18 anos, ele a encontra: Julie Lennon, uma mulher depressiva que o abandonou na infância. E fã ardorosa de rock and roll. É dela que surge a ideia de começar uma banda, com ela que aprende a tocar banjo, e através dela que passa a frequentar festas em Blackpool, na Inglaterra.

Aaron Johnson (do filme “Kick-Ass”) convence como Lennon, mas força a barra em alguns momentos _quem rouba a cena são as atrizes Kristin Scott Thomas e Anne-Marie Duff, como Mimi, tia autoritária e guardiã do garoto, e Julie. São os dilemas maduros das duas personagens (maternidade, responsabilidade e perda) que dão profundidade emocional ao filme, e não a rebeldia adolescente de John.

Outro destaque é a trilha sonora discretamente assinada pela dupla Goldfrapp, com cordas dramáticas e vocais sutis. O figurino cai em adaptações mais contemporâneas do guarda-roupa dos anos 1950, com vestidos fechados de saia rodada na altura do joelho para mulheres; casacos de couro e gravatas slim, jaquetas de couro e casacos de lapela larga para os homens.

O elenco mais jovem surpreende, em especial o pequeno Paul McCartney (Thomas Sengster) que já mostrava ser um músico virtuoso. É com ele que John monta a sua primeira banda, “The Quarrymen”, além de outros amigos e músicos que tiveram papel decisivo na vida do protagonista do filme.

A música acaba tendo papel secundário no drama _a confirmação disso é que o nome The Beatles sequer é citado. “Nowhere Boy” acaba antes desta jornada começar e, felizmente, consegue se sustentar sem ela.

+ Site oficial: nowhereboy.co.uk

+ IMDB: imdb.com/title/tt1266029

Rolou neste sábado (20/11) a edição 2010 do festival Planeta Terra, no parque de diversões Playcenter, em São Paulo, capital. Com mais de 22 mil ingressos esgotados quase 2 meses antes do evento e disputados aos tapas na última semana, o lugar estava mais cheio do que nunca, apesar do line up formado principalmente de bandas indie. O portal FFW viu vários dos shows_ leia as resenhas e veja mais fotos na sequência!

HOLGER

©Juliana Knobel

Grupo paulistano que lançou seu primeiro disco, “Sunga” e faz parte do núcleo ao redor das baladas Neu Club/ Milo Garage, o Holger tocou seu rock. A banda está cada vez melhor ao vivo _rock enérgico, falsetes intensos e foco na percussão_ e também parece cada vez mais com o Vampire Weekend. No todo, é um show divertido, positivo: com destaque para “Caribbean Nights” e “Let ‘Em Shine Below”.

NOVOS PAULISTAS

©Juliana Knobel

Formado por Thiago Pethit, Tulipa Ruiz, Tiê, Tatá Aeroplano (Cérebro Eletrônico) e Dudu Tsuda (Jumbo Elektro), os novos paulistas representam um grupo de músicos que colaboram entre si, tocam nas bandas uns dos outros, dividem repertório e ideias.  Com pouco mais de uma hora, o set foi dividido entre faixas da carreira solo de cada integrante.

A apresentação começou bem com “Nightwalker”, rock melindroso de Pethit _que vestia Herchcovitch_ e atingiu seu ápice em “Pedrinho”, de Tulipa Ruiz e seu vocal poderoso. Tiê, de meia-calça e camiseta da Tina Turner, cantou de voz e violão mas segurou a atenção do público com seu carisma. A experiência de todos em palcos pequenos atrapalhou: havia um desconforto geral. E se na criação o grupo é unido, no palco o entrosamento é pouco _faz falta ouvir um repertório da banda em si.

OF MONTREAL

©Juliana Knobel

Suis generis é o termo que melhor define o Of Montreal. Liderado pelo insano vocalista Kevin Barnes, que subiu ao palco de legging roxa, uma saia/frente única transparente sobre forro de jumbo dots, peruca e maquiagem pesada, o grupo é um mix de Secos e Molhados com Prince, passando pelo rock-psicodélico dos anos 1970 e o farofa dos 1980. Abriram a apresentação com “Coquette Coquette”, um robô no palco e dançarinos de collant prateado.

O setlist, mais centrado em hits e faixas conhecidas, surpreendeu e agradou ao público _formado por animadas meninas usando maquiagem de glitter e meninos indies modernosos. Entre os melhores momentos, marcados por dancinhas, dançarinos diversos no palco e nadando sob o público, ficam as faixas “The Party’s Crashing Us” e “Wraith Pinned to the Mist and Other Things”, com o refrão escapista: “Let’s pretend we don’t exist“, cantado em coro sob o por-do-sol.

MIKA

©Juliana Knobel

Sem querer reduzir o artista à sua sexualidade, Mika fez jus a origem do termo “gay”: foi um show alegre, tanto no palco quanto na plateia. Evocando Freddie Mercury no figurino (camisa e calça brancas com casaco navy azul-marinho, mais sapato de glitter dourado) e Michael Jackson nos passos de dança, ele abriu seu set “Relax, Take It Easy”. A decepção foi perceber que seu famoso falsete foi dublado com bases pré-gravadas e a ajuda de uma backing vocal.

Assim seguiu, hit após hit, com o público em coro sem se importar muito. Mika só chegou a cantar mais para o final do show, dando preferência às notas graves e arriscando um agudo aqui e ali. Foi uma apresentação definitivamente animada, que estremeceu o Playcenter em “Grace Kelly”, no final, e “Love Today”.

O campeonato de Rock Band foi uma das atrações mais concorridas entre os brinquedos do evento _e o momento ficou com uma rendição época de “Say It Ain’t So”, do Weezer, por um frequentador. Quem sabe faz ao vivo _já diria o Mika.

PHOENIX

©Juliana Knobel

Nada foi tão interessante no show do Phoenix quanto o boato de que o Daft Punk participaria dele. Infelizmente, a dupla francesa de música não passou pelo Brasil _atualmente, os 2 estão focados no lançamento do filme “Tron: Legacy”, do qual assinam a trilha sonora. Então subiram os 4 garotos esquálidos liderados pelo vocalista Thomas Mars, entoando o hit “Liztomania”. Era, sem dúvida, a banda que arrastou o maior público ao palco principal até então _resultado da aparição de suas canções em seriados de TV, alta rotação em rádios e na MTV.

É uma banda competente, mas o repertório é repetitivo; com exceção do momento em que Mars foi até a plateia, não houve muita diferença no bloco de “Run Run Run”, “Armistice”, “Girlfriend” e “Consolation Prizes”. Terminaram com outra faixa famosa, “1901″.

HOT CHIP

©Juliana Knobel

A primeira visita do Hot Chip no Brasil, no Tim Festival de 2007, foi marcada por problemas de som e falta de público. Na época, eles só haviam lançado os antológicos “Coming On Strong” e “The Warning”. Hoje estão no quarto disco de estúdio, uma carreira sólida e com um repertório para shows bem mais consistente: deram destaque para as faixas de BPM acelerado, com destaque para as do álbum mais recente, como “One Life Stand”. De longe, o show mais maduro, quente e lotado do Indie Stage.

PAVEMENT

©Juliana Knobel

Banda para fãs, show para fãs. Ícones verdadeiramente indies dos anos 1990, o Pavement tem um séquito de fãs que os acompanha, e foram esses fãs que fizeram do seu show uma melhor apresentação. Gente com lágrimas nos olhos, cantando todas as letras e vestindo camisetas com o nome ou versos de músicas do grupo.

Aos 50 anos, Stephen Malkmus não tem mais a juventude, mas mantém o charme desencanado; o mais animado era o percussionista Bob Nastanovich, gritando no microfone e andando pelo palco. Ficaram na cabeça os hits “Date With IKEA”, “Cut Your Hair” e “Range Life”.

SMASHING PUMPKINS

©Juliana Knobel

Vestindo uma camiseta com a legenda “Nature” (Natureza), Billy Corgan subiu ao palco ovacionado, de braços erguidos como um pastor, exibindo seu ainda assustador semblante. Como um vampiro, ele suga a juventude da sua banda, toda 20 anos mais nova.

E funciona: Billy não parece ter envelhecido mais que 5 anos, embora tenham se passado 22 desde a formação original (e histórica) do Smashing Pumpkins. Apesar de criticar o Pavement por “olhar para o passado”, é no passado que está a glória e a memória dos fãs, que foram pacientes com o vocalista ao esperar, a cada 3 músicas recentes (ele lançou em 2010 o álbum de 44 faixas, “Teargarden by Kaleidyscope”) um hit dos anos 1990.

O primeiro foi “Zero”. Urros na plateia, guitarras pesadas. Mais músicas novas, solos de guitarra, Billy lançando olhares de reprovação em direção da baixista Nicole Fiorentino. Então, o inconfundível riff de guitarra de “Today”. Mais lágrimas na audiência. Mais um bloco de músicas novas, mais comprido. No final, recompensou seus fãs com “Tonight Tonight” e seguiu em um bis interminável e solos de guitarra.

GIRL TALK

©Juliana Knobel

O clima de festa entre amigos  imperou na última apresentação do Indie Stage. Especializado em mashups e samples, o DJ Girl Talk faz uma salada pop de todas as épocas. O set _que parecia estar parcialmente pronto_  deu chance à Greg de festejar com uma máquina de propulsão de papel higiênico/picado, chamar parte dos fãs para subir no palco e subir em cima da mesa de som. Teve de tudo: Michael Jackson, Kylie Minogue, Stevie Wonder, Madonna, tudo dentro de um liquidificador até você não saber mais o que é o quê. Pudera todo DJ fosse tão preocupado em divertir seu público…

Harry (Daniel Radcliffe) Rony (Rupert Grint) e Hermione (Emma Watson) na primeira parte de “Relíquias da Morte” ©Divulgação/Warner Bros.

Em uma sessão de imprensa anormalmente lotada na manhã desta terça-feira (16/11), em São Paulo, o FFW assistiu a “Harry Potter e as Relíquias da Morte”, que estreia nos cinemas mundialmente nesta sexta (19).

O último dos 7 livros da saga foi dividido em 2 partes por decisão do estúdio _o outro longa-metragem estreia em meados de 2011_ o que, além de dobrar a arrecadação da Warner Bros., deve agradar aos fãs. Com um roteiro que dispõe de duas vezes mais tempo, não se tem a sensação da história desenrolando em fast-forward como em “O Cálice De Fogo”, quarto filme da saga.

Chegam a ser (intencionalmente) monótonos os momentos em que o trio de heróis vaga refugiado. Saem as cenas de ação, emergem os conflitos internos. A leve tensão sexual entre Harry e Hermione, o ciúme de Rony e a frustração em não conseguir destruir as horcruxes (artefatos necessários para derrotar o vilão Voldemort) são bem explorados em cenas de isolamento pela floresta.

Outra coisa que surpreende em “Relíquias Da Morte” é o silêncio. O diretor David Yates constrói com habilidade picos de suspense, mas peca na hora da ação, que passa sempre num piscar de olhos. Assim, são desperdiçadas passagens de tirar o folêgo, como a visita à casa de Batilda Bagshot, a invasão ao Ministério da Magia, ou a passagem de Harry e Rony no porão dos Malfoy.

Desta última cena, aliás, salta aos olhos a interpretação de Helena Bonham-Carter como Bellatrix, a bruxa psicótica do grupo de Voldemort; do outro lado da força, a performance de Emma Watson também surpreende. Um destaque (e novidade) foi a adaptação que ilustra o conto “Beedle, o Bardo”. São mais de cinco minutos de desenho animado _sombrios e repletos de pistas preciosas para o desenvolvimento da história.

Os figurinos, assinados por Jany Temime, se voltam para a praticidade; a formalidade boba dos uniformes de Hogwarts ou chapéus de bruxo dão lugar para jeans e camisetas. Estes ficam cada vez mais rotos, rasgados e sujos pela exposição ao tempo e lutas. O mesmo serve para a maquiagem, que adiciona olheiras, descabelo e machucados (naturais e mágicos) no rosto e corpo.

Como já era de se esperar, o filme acaba com um gancho dramático. É a deixa para manter os fãs curiosos por mais 6 meses, e então concluir a série que definiu a cultura pop de toda uma geração.

Site oficial: harrypotter.warnerbros.com

Belle & Sebastian tocando no Via Funchal, em São Paulo ©Reprodução

Uma multidão de garotos com camisetas de bandas,  garotas com saias de cintura alta, vários de óculos de aro grosso. A nação indie paulistana compareceu em peso na segunda apresentação do Belle & Sebastian no Brasil, que aconteceu na noite desta quarta-feira (10/11) no Via Funchal, em São Paulo. A primeira aconteceu há quase dez anos, no extinto festival Free Jazz.

Formada em 1996, a banda escocesa mantém um culto ao seu redor _ou melhor, ao redor do vocalista Stuart Murdoch.  A mistura de arranjos delicados, letras melancólicas e melodias alegres perdeu um pouco da sua personalidade após saída da celista Isobel Campbell e do baixista Stuart David.

Mas Murdoch consegue manter o espírito B&S. Preocupado em agradar, ele desafiou a incômoda área VIP e foi até a segunda grade para conversar com o público; chamou fãs para dançarem no palco e depois deu medalhas a eles e mostrou, surpreendentemente, que não é nada tímido.

Pelo contrário, gosta de atenção: pose de rock star, de camiseta branca justa e calça skinny, fazendo caras, bocas, poses e seduzindo garotas no gargarejo _a ponto de obscurecer a banda que o acompanha.

O setlist começou com “I Didn’t See It Coming” e _para tristeza de muitos fãs_ deu preferência aos discos mais recentes, como “Dear Catastrophe Waitress” e “Write About Love”, lançado neste ano.  Deste último, apenas “I Want The World To Stop” e a faixa-título empolgaram o público.

Dos discos clássicos, como “If You’re Feeling Sinister” e “The Boy With The Arab Strap”, saíram os momentos mais importantes da apresentação, como “Fox In The Snow”, com Stuart no piano e acompanhado pela orquestra de cordas; e “Me And The Major”, que levantou um coro da plateia.

Mesmo com duas horas de duração e um bis que incluiu os hinos “Get Me Away From Here, I’m Dying”, e “The State The I Am In”, o repertório deles é muito grande; impossível saciar as faixas favoritas de todo mundo. Mas Belle & Sebastian é o tipo de banda ame-ou-odeie. Quem foi com certeza voltou para casa feliz.

Belle & Sebastian fazem show nesta sexta-feira (12/11) no Circo Voador, Rio de Janeiro. Mais informações no site:

+ circovoador.com.br

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O que você faria se pudesse dirigir um filme com Julianne Moore, Mark Ruffalo e Annete Benning? A diretora Lisa Cholodenko escolheu uma comédia-romântica. Não que o longa-metragem, que estreia nesta quinta-feira (11/10) nos cinemas brasileiros, tenha uma premissa convencional _a história é calcada em cima de um casal de lésbicas americanas que tem dois filhos, concebidos através de inseminação artificial de um doador anônimo, que é procurado pelos dois e entra na vida da família.

Se à primeira vista o roteiro indica um um drama profundo, em poucos minutos percebe-se que os papéis principais parecem ter sido pensados mais para  Sandra Bullock do que Moore. A ruiva vive Jules, uma Madame Bovary contemporânea, burguesa entediada e frustrada profissionalmente. Sua esposa, Anette, vive a médica workaholic Nic.

A química e perfomances das duas salvam o filme, especialmente Benning, com suas neuroses e irritações (que vão de conversas intermináveis sobre comida orgânica à presença do novo pai).

Anette Benning e Julianne Moore vivem um casal de lésbicas em “Minhas Mães e Meu Pai” ©Divulgação/ Imagem Filmes

O casal de filhos (Mia Wasikowska e Josh Hutcherson) não impressiona, mas manda bem; e Ruffalo cai como luva ao papel de Paul, um solteirão deslocado, mas interessado por sua prole inesperada. O filme começa na comédia e se desenrola em um drama, que é resolvido _com buracos sérios de roteiro_ em clima de final feliz.

A direção e o roteiro desperdiçam todas as oportunidades de explorar os dramas ou aspectos mais interessantes da situação pouco convencional. Sem contar no potencial do elenco que a diretora tinha à disposição. Nem Julianne Moore consegue salvar um dos diálogos finais do constrangimento, falando sobre como “casamento é difícil” e que “as pessoas mudam”. Como filme pipoca, “Minhas Mães E Meu Pai” não perde em nada; mas como grande produção e candidato ao Oscar, deixa de ganhar.

+ Imdb: imdb.com/title/tt0842926

Pharrel Williams só pensa naquilo. Líder do N.E.R.D. _que é acrônimo para “No One Really Ever Dies”, ou “ninguém nunca morre realmente”, em português_ banda que lançou nesta semana seu quarto disco de estúdio, “Nothing”, ele tem como combustível para criação o sexo, ou a tensão que o antecede. A receita é uma salada de gêneros e figuras masculinas, numa mistura de Elvis mais Tom Jones, passando por Mike Patton, 50 Ct e Barry White.

Ao lado de Chad Hugo, Williams também integra a dupla de produtores Neptunes, que desde os anos 1990 funciona como fábrica de hits para outros artistas _que vão de Britney Spears à Kellis, passando por Justin Timberlake, Gwen Stefani e Nelly Furtado.

Em “Nothing”, o N.E.R.D. não parece ter a mesma preocupação com o sucesso comercial que nos álbuns anteriores. Os hooks viciantes aparecem, mas em versões mais sutis, acompanhados pelo vocal em falsete de Pharrel e de finas malhas eletrônicas, como no single “Hipnotize U”, produzido pelo Daft Punk.

Já em “Help Me” ou “Nothing On You”, a dupla mistura rock, r&b e trip-hop; a tensão sexual segue cada vez mais forte e atinge seu ápice em “Sacred Temple”, com guitarras sutis e vocais sussurrados. O uso de vocais femininos ganha mais espaço em “Hot-n-Fun”, mas a presença pouco marcante de Nelly Furtado não colabora _e Pharrel acaba desperdiçando um dueto garoto-garota de extremo potencial radiofônico.

Com longas 14 faixas,  o álbum é inconstante. Coleciona bons momentos e explora com sucesso territórios inéditos , como em  “Help Me”, que mostra maturidade e evolução no som da banda. E se perde em canções sem brilho, como “Victory”, “Perfect Defect”, “Life Is A Fish” e  “God Bless it All”. Mas nada que uma pequena editada no iPod não resolva.

O N.E.R.D se apresenta nesta sexta-feira (05/10) , abrindo para o rapper Eminem. As apresentações acontecem no F1 Rocks, evento do GP de Fórmula 1 de São Paulo. Mais informações.

+ n-e-r-d.com

+ twitter.com/nerdarmy

+ facebook.com/pages/NERDS-RadioKaosItaly

Caribou no palco do Clash, em São Paulo: rock psicodélico ©Juliana Knobel

Rolou nesta quarta-feira (27/10) no clube Clash, em São Paulo, o show da banda canadense Caribou_ como parte do festival Fourfest,  ao lado de um live do Gold Panda. Liderados pelo músico Daniel Snaith, a apresentação foi puxada bem mais para o lado do rock, com ênfase na guitarra, percussão e bateria _muitas vezes, a banda tocava com duas ao mesmo tempo_  do que para o eletrônico.

Em alguns momentos o som atrapalhou: estourando nos vocais e nos sintetizadores, as bases e samples foram engolidas. Por outro lado, foi chique a pontualidade dos shows, já que era plena quarta-feira.

Ao contrário do que muita gente esperava, não teve clima de rave. Em quarteto, faixas da prolífica carreira do grupo (são mais de dez discos  lançados em alguns anos) ganharam roupagem atualizada de rock psicodélico. Atualizada porque é fresca, as canções são rápidas e de fácil digestão; psicodélico pela fluidez sonora, pelo teor instrumental e pelo interessante uso de iluminação e imagem. “Nós esperamos dez anos por esse show”, completou o vocalista antes de presentear o público com “Odessa”, seu single mais recente e mais famoso.

+ caribou.fm

+ myspace.com/cariboumanitoba

Emicida: o rapper que já mordeu cachorro pra não passar fome agora quer devorar sua fatia da música nacional ©Ênio César

Armado de uma exposição sem precedentes na imprensa, o rapper paulistano Emicida lançou, no último dia 17/10, a sua segunda mixtape. “Emicídio” foi lançado pela gravadora independente Laboratório Fantasma, o segundo lançamento do paulistano, batizado como Leandro Roque, depois do bem-sucedido “Pra Quem Mordeu Cachorro Por Comida Eu Até Que Cheguei Longe”, de 2009.

Apesar de produzida em esquema caseiro _por isso é um mixtape, e não um álbum de estúdio_ a produção é cheia de bases, colagens e soluções de arranjos bem sacadas. O CD começa com a pergunta: “E Agora?”, evidenciando o jeito de Emicida de rimar _ele vem da escola do improviso_ forte e calcado em frases de impacto.

Nos arranjos, os metais são o carro-chefe, importados do soul de James Brown ou de Tim Maia; recortados, em loops ou acelerados, como em “Então Toma” _que cita de Geyse Arruda ao jogador Robinho, e lembra o hit “Triunfo”, que alcançou mais de 600 mil visualizações no You Tube.

“Cê Lá Faz Ideia” – Emicida

Outras bases sensacionais dão o humor mais sombrio, como na faixa “Emicida”, com seu soturno sample de piano;  e “Avua Besouro”, onde Emicida não dispensa a crítica social pesada, característica do rap, passada com verdade. Já em “Isso Não Pode Se Perder”, ou mesmo “E Agora?”, o uso de outras vozes no refrão _ lembra dos Fugees?_  não funcionam, com traduções literais do r&b americano que passam do ponto.

Emicida é um tipo diferente de rapper. Não tem medo da TV, dos jornais, do monstro que é a grande mídia, e que artistas indies costumam não ter estômago para encarar. Respeita e exige respeito, explora outros territórios. Recentemente, gravou com o NX Zero e vai assinar faixa com uma das bandas “coloridas”. Se conseguir manter a autenticidade de hoje (como um dia Planet Hemp ou Racionais fizeram) com a coragem que lhe é exigida, Emicida pode escrever algumas rimas novas na história da música brasileira.

Myspace: myspace.com/emicida

Gabriel Marchi, de Itu

Segunda-feira, Itu, interior de São Paulo. O terceiro e último dia do SWU Music And Arts Festival foi o da programação mais estrelada e fauna mais diversificada na fazenda Maeda: fãs raivosos de nu metal ansiosos para Linkin Park e Avenged Sevenfold; indies veteranos para ver Pixies e Yo La Tengo; roqueiros para ver Queens Of The Stone Age; e perdidos para fritar na tenda eletrônica.

Na porta_ sem distinção de banda favorita _todos pegaram filas de quase uma hora para entrar e passar pela revista policial, intensificada após boatos de assaltos à mão armada dentro do festival.

Yo La Tengo ©Juliana Knobel

- Sob o pôr-do-sol, o Yo La Tengo, (banda formada em 1984 que é lenda do rock alternativo) se apresentou no palco Ar. Intercalando momentos de muito barulho com outros de extrema leveza, eles contemplaram suas várias fases, e como de praxe, sem apelar para melodias fáceis.

Para o final, reservaram sua canção mais conhecida, “Sugarcube”, e fecharam com “Pass The Hatchet, I Think I’m Godkind”,  que se divide entre duas notas de baixo sob um solo de guitarra raivoso de Ira Kaplan. O único porém foram os fãs do Avenged Sevenfold, que, ansiosos pelo show seguinte, gritavam para o trio deixar o palco.

Bnegão ©Juliana Knobel

- Pouco depois, tocaram o paulistano Bnegão e Os Seletores de Frequência no palco Oi Novo Som. Ex-Planet Hemp, Bnegão mistura hip-hop, soul, evoca Tim Maia (da fase racional) em alguns momentos e trabalha o repertório do disco “Enxugando o Gelo”, lançado em 2002. Raro ver um músico com tanto controle do público quanto ele: a plateia ensadecida cantava junto nos refrões. Estrondo puro na tenda, embalado pela banda de metais que o acompanhava.

- Em coletiva de imprensa, Eduardo Fischer_ o homem por trás do SWU _declarou que foram “pequenas” as ocorrências dadas as proporções do evento. Questionado, voltou atrás e assumiu que a situação dos ônibus no primeiro dia, e os 76 delitos dentro do festival foram “sérios”. E que pretende continuar na fazenda Maeda em 2011.

Lovefoxxx e Ana, do CSS ©Juliana Knobel

- “Já passamos mais frio do que aqui. Mas foi na Islândia!”, contou Luísa Lovefoxxx, vocalista do CSS, ao portal FFW no backstage horas antes do show. “Esse é o nosso primeiro show desde 2008, estamos muito felizes”, completa. Sobre o novo disco, cujo nome ela não quis revelar e que deve ser lançado até março de 2011, as expectativas são altas. “Esse disco reflete o nosso momento traquilo. Podíamos parar, tomar um sorvete, gravar. E é um disco diferente dos dois primeiros, o que é bom”.

- O Incubus tocou no palco Água e foi ovacionado por seu público fiel. Na ativa desde 1991, a banda assimila sons de várias vertentes do rock, e apesar de serem tecnicamente competentes, o som é genérico: é difícil identificar um som que não pareça com alguma outra banda. O quinteto abriu o show com o hit “Megalomaniac, de 2004, e seguiu com singles como “Wish You Were Here”e “Oil And Water”.

Josh Homme, do Queens Of The Stone Age ©Juliana Knobel

- Com um atraso de 40 minutos, o Queens Of The Stone Age fez uma apresentação antológica, quente, barulhenta e sensual. De guitarra em punho, o frontman Josh Homme parecia contente. “Esperamos muito tempo por isso”, exclamou ao entrar no palco. Eles revisitaram os melhores momentos da carreira, quebrando tudo em “The Lost Art Of Keeping A Secret”, “No One Knows”, e “Go With The Flow”, entre outras faixas do disco “Rated R”, que completou 10 anos em 2010. Pra ficar na memória.

Frank Black, do Pixies ©Juliana Knobel

- O Pixies fez o show que todo fã sonha em assistir. Pedra fundamental do rock moderno, a banda é cultuada em todo o mundo, e influência direta para o grunge. No gargarejo, os fãs fervorosos tinham todas as letras na ponta da língua. Só sorrisos, a baixista Kim Deal (que tocou com a sua banda solo, The Breeders, no festival Planeta Terra em 2008) foi a porta-voz da apresentação.

A baixista Kim Deal, do Pixies ©Juliana Knobel

Já Frank Black entoou com sua voz rouca quase todo clássico: de “Where Is My Mind”, à “Debaser”, passando por “Here Comes Your Man” e “Caribou”, só para citar alguns. Após o bis, Kim Deal brincou. “Daqui nós vamos direto para a cama, certo, Frank?”. Ele sorriu de volta e acenou que não, para alegria da plateia_ que não quer ver a banda descansar tão cedo.

+ Leia mais sobre o SWU no portal FFW

Capa de “Azul”, um dos discos de estreia da cantora Nina Becker ©Caroline Bittencourt

Foi preciso um prêmio da APCA, um EP, quatro faixas no Myspace, algumas coleções de moda_ ela também é estilista _e um lugar cativo por sete anos na Orquestra Imperial (big band carioca composta também por Moreno Veloso e Kassin), para Nina Becker finalmente lançar, de uma vez, dois discos de estreia: “Azul” e “Vermelho”. Produzidos por Carlos Miranda e Mauricio Tagliari, os CDs foram lançados neste mês pela gravadora paulistana YB.

A primeira e principal sensação é de alívio: ouvir uma jovem cantora com um bom repertório contemporâneo, que não bebe das fontes óbvias no quesito intérprete-de-MPB, e que trabalha com compositores  como Domenico Lancelotti, Moreno Veloso, Marcelo Callado e Rômulo Fróes_ de longe os melhores da geração atual. Mesmo sendo autora também (nove das vinte faixas são dela), os colaboradores são vitais para Nina; e isso passa longe de ser um problema. Pense no que teria sido de Elis Regina ou Marisa Monte sem seus produtores…

“Azul” é cristalino e acústico. Começa bem com “Ela Adora”, passa pela bonita “Dans Toi Ilê”, e a confessional “Não Tema”, onde Nina se despe de orgulho e admite um amor em um bolero. Voz afinada e clima de pôr-do-sol carioca. A contemplativa “Janela”, composta em parceria com Domenico tem sua primeira versão aqui. Mas se as são canções acertam o tom individualmente, o conjunto peca pela repetividade; o clima se mantém linear demais e o álbum não decola.

Na contramão veio “Vermelho”. Quente, urbano, gravado ao vivo e dado aos improvisos com a ajuda da banda composta por Gabriel Bubu, Bartolo, Eduardo Mando e Thomas Harres (Quarteto, que já acompanhou Caetano Veloso em turnê). Na primeira metade do disco_ entre “Madrugada Branca” e “Janela”_ a banda faz silêncio (um pouco demais) para Nina, e o ritmo demora a engatar. Mas  engata. Se destacam as bem-humoradas ‘”Toc Toc’” ou “Volte Sempre”, onde ela evoca uma Rita Lee pós-mutantes.

Mais para o final do disco, “Superluxo”, (que deu nome ao seu primeiro EP) chega com mais pouco mais de (bem-vindo) peso, distorção e guitarra, que continua em “De Amor e Paz”. Uma versão bossanoviana de “Lágrimas Negras”, de Jorge Mautner e Nelson Jacobina, dá mais um momento contemplativo ao disco.

“Tropical Poliéster” fecha o CD fazendo graça – ao que parece, das cobranças intelectualóides de muita gente por aí. “Você ainda não viu?/Sucesso internacional/A nobre trama/Ao toque clama/Você ainda não viu?”. Se não viu, deveria.

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O vocalista Andrew Wyatt no show do Miike Snow ©Juliana Knobel

Não foi a falta de ar-condicionado: o show do Miike Snow, que rolou nesta quarta-feira (23/09) na POPLOAD Gig, em São Paulo, foi realmente muito, muito quente. Organizado por Lúcio Ribeiro, o festival_ que já trouxe Girls e Dirty Projectors ao Brasil _ levou o Estúdio Emme, de Chico Lowndes, à sua lotação máxima.

Formado pelos suecos Andrew Wyatt, Christian Karlsson e Pontus Winnberg, o grupo transformou os sintetizadores, samples e bases eletrônicas geladas do seu muitíssimo hypado disco de estreia, “Miike Snow”, em uma parede de som e ruído. O trio subiu ao palco usando máscaras e sob bela iluminação. Andrew, de guitarra na mão e cantando em falsete, parecia satisfeito com o público e agradecia entre cada uma das músicas. “É muito bom estar aqui. Nós amamos o Brasil”, declarou.

O público contribuiu para o clima animado da noite: cantando junto e dançando, nos “hits” como Silvia e “Animal”, ignorando o calor e os  problemas de som, que pipocava durante as faixas mais pesadas (devido ao equipamento alugado: a casa não tem infra para shows internacionais).

Público caloroso no show do Miike Snow em São Paulo ©Juliana Knobel

Destaque também para “Rabbit” e “Black And Blue”, mais limpas e dançantes e com constantes mudanças de ritmo; um certo descompasso intencional. Só faltou o bis, que a plateia pediu, enquanto bexigas voavam pela casa. A banda agradeceu discretamente e deixou o palco. Fica pra próxima.

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A capa psicodélica-trip-de-ácido do disco de estreia do Garotas Suecas, “Escaldante Banda” ©Reprodução

O sexteto paulistano Garotas Suecas, liderado por Guilherme Saldanha e temperado por um rock que mixa jovem guarda, psicodelia e soul music, ganhou um delicioso disco de estreia: “Escaldante Banda”, que saiu este mês nos EUA pelo selo American Dust. No exterior, o Garotas ganha pelo exotismo. No Brasil, o som é familiar e impregnado pelo nosso DNA musical.

A mistura dos grooves do soul com a loucura tropicalista aparece em canções como “Tudo Bem”, que abre o disco, “Ela” ou “Olhos da Cara” _baticuns tropicais, guitarras de samba-rock, metais do soul, teclados de Motown e backing vocals harmonizados em diversas camadas de som que ficam mais claras a cada audição.

Em português bem claro, as letras são cheias de humor. “Mercado Roque Santeiro” soa como uma sátira ao discurso do “tudo-já-foi-feito-antes” na crítica musical, com uma divertida referência à novela exibida pela Rede Globo em 1985. Já “Banho de Bucha” é para esquecer um amor: “Poxa que maravilha/ Lavar a alma e o coração/ Com muita água e sabão“.  Outro destaque é a acústica “Sunday Night Blues”, onde a tecladista Irina faz as vezes de vocalista.

Ouça “Mercado Roque Santeiro”:

Por enquanto, “Escaldante Banda” não chegou ao Brasil. O grupo continua em turnê pelos EUA até o final de setembro, e ganhando bastante destaque na imprensa internacional no caminho _uma atenção que talvez não ganhassem se estivessem trabalhando por aqui. Mas quando voltarem, com respaldo gringo e gingado brasileiro, serão mais que bem-vindos.

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Theophilus no Comitê: muito talento,  pouco público ©Juliana Knobel/FFW

Um certo constrangimento atingiu as cerca de 30 pessoas que foram ao Comitê _casa de shows com capacidade para 700,  em São Paulo_ assistir ao rapper americano Theophilus London tocar. Comparado a Kanye West, apadrinhado por A-Trak e Mark Ronson, colaborador de Damon Albarn (Gorillaz), Solange Knowles, TV On The Radio e Simian Mobile Disco, London despontou na cena musical em 2009.

Nativo do epicentro indie americano, o bairro de Williamsburg, no Brooklyn, Nova York, ele mistura influências de diversos gêneros, plataformas e públicos, em uma abordagem fresca do hip-hop.

Acompanhado apenas por um DJ, um copo de uísque e seus óculos escuros, ele enfrentou a pista vazia e cantou sobre bases em “Humdrum Town”, “Ultra Violet”, e outras faixas dos discos “This Charming Mixtape” e “I Want You By”. Após quarenta minutos de um bom show, ele desencanou, desligou o microfone, e chamou ao palco JOYA.

JOYA Bravo toca violino durante sua apresentação no Comitê ©Juliana Knobel/FFW

Jamaicana, JOYA é cantora, rapper, violinista e compositora. Um mix de Rihanna com garota da laje, dona de uma voz potente e repertório bacana _um r&b eletrônico cheio de letras confessionais_ ela desceu até o público e tocou violino ao vivo. Theophilus voltou, ligou seu laptop e começou a dublar suas músicas favoritas, transformando a apresentação em uma discotecagem improvisada. Já sem nenhum mal-estar, o público acompanhou a vibe: teve concurso de dança, sorteio do CD e fãs subindo no palco até mais de cinco da manhã.

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