Por meio da fotografia, minúsculos instantes da existência transformam-se em eternidade. Momentos célebres da história humana equivalem a curtos espaços de tempo considerados banais tornando-se transcendentalmente belos. Os artistas capazes de estabelecer tamanho encantamento são também donos de estilos ímpares, que os convertem em ícones quase tão simbólicos quanto as imagens a que dão vida. O italiano Paolo Roversi é um desses nomes que, a partir da composição de uma identidade única, ganharam reconhecimento internacional e ultrapassaram a barreira da fotografia de moda. Desde o dia 3 de fevereiro, a galeria londrina The Wapping Project Bankside está sediando uma mostra de alguns dos mais primorosos trabalhos de Roversi, incluindo muitos retratos da modelo Guinevere van Seenus, sua maior musa, e de seu estúdio em Paris.

A profunda relação que Paolo Roversi estabeleceu com a fotografia teve início em 1964 quando, aos 17 anos, viajou de férias com a família para a Espanha. Ao retornar à pequena cidade de Ravenna, na Itália, uniu-se a um amigo e montou um quarto escuro para revelar e imprimir suas primeiras imagens em preto e branco. Após um período acompanhando o trabalho de Nevio Natali, fotógrafo local a quem Roversi credita grande parte de seu aprendizado técnico inicial, o italiano passou a colaborar, em 1970, com a “Associated Press”, onde, logo em seu trabalho de estreia, foi a Veneza para cobrir o funeral do poeta modernista Ezra Pound.

“Guinevere sitting with Goupai” e “Guinevere in yellow dress”, ambas de 1996 ©Paolo Roversi/Reprodução

“My Camera”, 2002 ©Paolo Roversi/Reprodução

Ainda em 1970, Paolo Roversi abriu em Ravenna seu primeiro estúdio profissional e, ao lado do amigo Giancarlo Gramantieri, permaneceu fotografando celebridades locais até que, no ano seguinte, conheceu Peter Knapp, diretor de arte da “Elle”. A convite de Knapp, o fotógrafo foi a Paris em novembro de 1973… e nunca mais voltou. Na capital francesa, Roversi começou a trabalhar como fotojornalista e, por meio de seu novo ciclo de amigos e da descoberta das obras de mestres como Richard Avedon, Irving Penn, Helmut Newton e Guy Bourdin, se aproximou da fotografia de moda. Em 1974, o italiano tornou-se assistente do fotógrafo britânico Lawrence Sackmann, função que exerceu por nove meses até conseguir publicar seus trabalhos em revistas como “Elle”, “Depeche Mode” e “Marie Claire”.

Paolo Roversi só conquistou visibilidade internacional, no entanto, em 1980, quando fotografou uma campanha de beleza da Christian Dior. Coincidentemente, nesse mesmo período o italiano começou a usar o filme formato 8×10, que viria a se tornar uma de suas marcas registradas. Outras características da identidade visual construída por Paolo Roversi ao longo de sua carreira são a preferência por retratos austeros em preto e branco e a profundidade que parece desnudar qualquer ser ou objeto capturados por suas lentes, além da predileção por fotos feitas em estúdio.

Natalia Vodianova para “Egoïste” #15 ©Paolo Roversi/Reprodução

À parte às imagens autorais, Paolo Roversi também empreendeu inúmeros catálogos e campanhas publicitárias de marcas como Comme des Garçons, Yohji Yamamoto, Guerlain, Hermès e Alberta Ferretti. O fotógrafo, fiel colaborador da “Vogue” italiana, já lançou mais de cinco livros, incluindo os famosos “Studio”, que conta com mais de 20 anos de imagens feitas em seu estúdio em Paris, e “Nudi”, composto só de imagens de nus femininos. Quem estiver com passagem marcada para Londres não pode perder a exposição, que fica em cartaz até o dia 31 de março e traz algumas das fotografias mais icônicas e poéticas de Roversi, um dos maiores fotógrafos dos séculos XX e XXI.

Paolo Roversi @ Galeria The Wapping Project Bankside, Londres
65a Hopton Street, Londres SE1 9LR
De 3 de fevereiro a 31 de março de 2012

“Uma batalha visual amigável entre duas cidades contada por um amante de Paris vagando por Nova York. Detalhes, clichés e contradições: por aqui, por favor”. Esta é a descrição do “Paris versus New York”, blog do ilustrador Vahram Muratyan que começou de forma despretensiosa, e acabou virando hit da internet graças as adoráveis caricaturas que mostram, lado a lado, as diferenças entre as duas cidades. O sucesso foi tanto que o caminho mais natural era que o blog virasse livro; dito e feito, com a publicação de “Paris Versus New York: A Tally Of Two Cities”.

A obra, de 224 páginas, é editada pela Penguin Books e traz embates coloridos e minimalistas como “Depardieu vs. De Niro” e “Baguette vs. Bagel”. Veja abaixo algumas das páginas da publicação, que já está à venda por US$ 20 no site da Penguin (não entrega no Brasil) e da Anthropologie, ou por US$ 13,60 na promoção da Amazon.com.

Frente e verso do livro ©Reprodução

Karl Lagerfeld, designer da Chanel e ícone de moda e estilo, assinou terça-feira (07.02) mais uma das suas colaborações de sucesso. Só que, desta vez, como editor-global convidado da edição do jornal “Metro”. Isto significa que, em 22 países, espalhados por 131 cidades, quase 20 milhões de leitores viram o mundo pelos olhos/óculos de Lagerfeld. E a melhor parte? Gratuitamente.

O acesso gratuito à informação de qualidade é uma preocupação de qualquer veículo hoje em dia, principalmente dos tradicionais que veem as suas tiragens diminuírem dia após dia. O convite do “Metro” para ter Lagerfeld no comando editorial, além de aumentar a sua visibilidade e credibilidade, cria um conteúdo único e de qualidade, acessível ao público.

Esta edição especial marca o início da cobertura editorial do jornal das quatro fashion weeks mundiais em Nova York, Londres, Milão e Paris, que terá o seu conteúdo publicado nos jornais “Metro” de todo o mundo.

Capa da edição global e uma das páginas com comentários e ilustrações de Lagerfeld ©Reprodução

Para a sua realização, Lagerfeld passou o dia na redação do “Metro” Paris, trabalhando com os editores e jornalistas, criando notícias, ilustrações e comentários às notícias diárias da edição. “O mundo por Karl Lagerfeld” conta ainda com matérias com alguns dos queridinhos de Karl como Haider Ackermann, Silvia Venturini Fendi, Florence Welch e Carine Roitfeld, uma visita guiada ao seu escritório e uma entrevista “pessoal e intransmissível”, onde o estilista fala de vida, morte e relacionamentos.

Em alguns países, o “Metro” criou um concurso de lookbooks incentivado pelo próprio Lagerfeld, como vemos no vídeo abaixo, que permitia ao vencedor ser o assistente editorial nesta edição do Metro e ainda ganhar algumas peças da sua coleção.

Jogo? Que jogo? É verdade que o Super Bowl é, em sua essência, um espetáculo para os amantes do futebol americano, mas é inegável que muitos dos 101 milhões de espectadores (só nos EUA!) que estavam ligados à telinha no domingo (05.02) queriam ver é a apresentação de Madonna no tradicional show de intervalo do evento.

A responsabilidade da cantora era grande: animar o público que acompanhava o jogo, saciar os fãs que só ligaram a TV para ver sua apresentação, celebrar os maiores sucessos de sua carreira, e ainda promover seu álbum “M.D.N.A.”, com previsão de lançamento para o dia 26 de março.

Assista abaixo à apresentação de Madonna (e convidados) no intervalo do Super Bowl 2012:

E Madonna não decepcionou. Os 13 minutos de show foram divertidos e envolventes, com uma superprodução que contou com um palco pirotécnico, a colaboração de artistas do Cirque Du Soleil, dezenas de dançarinos-gladiadores, um coral gospel, quatro participações especiais e muitas trocas de figurino.

A apresentação começou com um remix de “Vogue” seguido por “Music”, que teve interferência do duo LMFAO e seu hit “Party Rock Anthem”; foi impagável ver a rainha do pop fazer o “shuffle”, passo de dança celebrizado nesta música. Em seguida, durante o novo single de Madonna, “Give Me All Your Luvin’”, entraram Nicki Minaj e M.I.A. – esta, no momento “polêmico” da noite, mostrou o dedo do meio para a plateia. A atitude causou certa comoção nos EUA, mas nada comparado ao “Nipplegate” de 2004, quando a cantora Janet Jackson ficou com um seio à mostra durante apresentação com Justin Timberlake. Uma passagem rápida por “Open Your Heart” trouxe ao palco Cee Lo Green, que acompanhou Madonna em “Express Yourself” e na rendição de “Like a Prayer”, que fechou a apresentação com chave de ouro.

Também merece destaque o figurino do show, responsabilidade da stylist B. Akerlund, que já havia trabalhado com Madonna em clipes como “Celebration” “Jump” e “4 Minutes”. A cantora usou três looks de alta-costura da Givenchy, uma coroa de metal com cristais feita por Philip Treacy para a marca, joias Bulgari e botas Miu Miu. “As pessoas dizem que tudo tem um limite, mas o limite não existe com a Madonna”, o designer afirmou em comunicado oficial.

À esquerda, croqui da Givenchy; à direita, o look ao vivo ©Reprodução

À esquerda, croqui da Givenchy; à direita, o look ao vivo ©Reprodução

À esquerda, croqui da Givenchy; à direita, o look ao vivo ©Reprodução

A imagem acima não é uma fotografia. Tampouco fruto da técnica de trompe-l’oeil, que manipula elementos de luz e profundidade para criar ilusões óticas. É, na verdade, uma obra hiper-realista.

O Hiper-realismo é um movimento artístico surgido após a metade do século XX, mais especificamente na década de 1970, que tem como princípio estético a criação de pinturas e/ou esculturas concebidas com uma riqueza de detalhes tão grande que se assemelhem a fotografias. Ao contrário do que ocorre com seu precursor, o Fotorrealismo (ou Super-realismo), as obras de cunho hiper-realista não dependem essencialmente da existência prévia de imagens fotográficas, além de não terem como objetivo a mera representação pictórica.

Por meio da precisão técnica e da simulação da realidade, os artistas hiper-realistas retratam de maneira subjetiva uma amplidão temática que varia de atos e objetos “banais” da vida cotidiana à crítica política, dando vida a imagens paradoxalmente poéticas. O FFW selecionou cinco adeptos do Hiper-realismo, alguns jovens e promissores, outros nomes já estabelecidos como ícones, para exemplificar a exatidão e profundidade do movimento.

GOTTFRIED HELNWEIN 

The Murmur of the Innocents 1, 2009 ©Gottfried Helnwein/Reprodução

Los Caprichos 3, 2006, e Untitled (Head of a Child IV), 1998 ©Gottfried Helnwein/Reprodução

Gottfried Helnwein é um dos hiper-realistas mais conhecidos e prestigiados do mundo. Nascido na Áustria em 1948, o artista plástico é dono de uma obra impactante e muitas vezes perturbadora, que abrange temas como a perda da inocência, a morte o o Holocausto.

ROBERTO BERNARDI

Fuori o dentro, 2007 ©Roberto Bernardi/Reprodução

Candy Machine, 2008 ©Roberto Bernardi/Reprodução

O italiano Roberto Bernardi, nascido em 1974 na cidade de Todi, iniciou sua trajetória nas artes plásticas ainda muito jovem. Em 1993, mudou-se para Roma onde trabalhou como restaurador na igreja de São Francisco a Ripa e, após experimentar a pintura de paisagens e retratos, decidiu dedicar-se ao que denomina como “um tipo de pintura mais intensa e espetacular”: o Hiper-realismo. Em seu trabalho, Bernardi traz a frieza da produção em massa, retratando das latas de sopa Campbell’s que cativaram Andy Warhol a frívolas embalagens e panelas de inox em casas solitárias.

HUBERT DE LARTIGUE

La Nuit, 2005 ©Hubert de Lartigue/Reprodução

Portrait de Luh, 2008 ©Hubert de Lartigue/Reprodução

O francês Hubert de Lartigue já trabalhou com ilustração de quadrinhos, ficção científica e até já se dedicou ao desenho de pin-ups, mas foi em 2003, ao conhecer sua musa Octavie, que o artista decidiu aderir ao Hiper-realismo.

JUAN FRANCISCO CASAS

Giuliaclick, 2008 ©Juan Francisco Casas/Reprodução

Here and Now, 2008 ©Juan Francisco Casas/Reprodução

A partir da utilização de canetas esferográficas “BIC” é que o espanhol Juan Francisco Casas, de 35 anos, desenvolve suas obras hiper-realistas. O que começou como uma simples brincadeira tornou-se profissão e suas obras, sempre divertidas, chamam a atenção pela veracidade.

ALYSSA MONKS

Reserve, 2011 ©Alyssa Monks/Reprodução

Fixation, 2010 ©Alyssa Monks/Reprodução

Alyssa Monks nasceu em 1977 no estado de Nova Jérsei, Estados Unidos, e começou a pintar com tinta a óleo desde pequena. Após terminar o colégio, estudou pintura no Instituto Lorenzo de Médici em Florença e Arte Figurativa na Academia de Artes de Nova York. Sua temática mais frequente é o corpo humano, que ela descreve como uma verdadeira obsessão: “Quando eu comecei a pintar o corpo humano, era obcecada por ele e precisava criar com o máximo de realismo possível. Eu persegui o realismo até ele começar a se desemaranhar e se auto-desconstruir”.

Não. Não são refilmagens ou reedições de cenas perdidas. São obras do novaiorquino Peter Stults, que criou uma série de cartazes de filmes contemporâneos como se tivessem sido lançados nas décadas de 50, 60 e 70. Inspirado pelo trabalho semelhante de Sean Hartter, que faz cartazes de filmes como se fossem de outra época e, às vezes, de outro gênero, Peter resolveu focar na mudança temporal e no elenco. A brincadeira despretensiosa poderia facilmente ter ficado na gaveta, mas na era da internet, com uma ideia envolvendo filmes cultuados e uma execução impecável, suas imagens rapidamente ficaram conhecidas e sua arte divulgada em diversos blogs e sites de cultura.

Obra de Sean Hartter, que inspirou Peter Stults ©Sean Hartter/Reprodução

É claro que a ideia de repensar filmes antigos, seja com cartazes, roteiros, novas produções e mudanças de gênero, não é nova. No entanto, o retrô nunca deixará de agradar aos fãs e inspirar novos artistas, como Aaron Wood, que saiu do anonimato ao criar pôsteres das redes sociais em um clima de guerra fria. Quanto ao vídeo, já mostramos no FFW a releitura sobre a vilania, feita pela “NYT Magazine”, contando com atuações de Brad Pitt, Gary Oldman, Viola Davis, entre outros.  Uma diferente e interessante abordagem surgiu em 2005, quando uma reedição humorística do trailer de “O Iluminado” (1977) virou hit no youtube.

“O Iluminado” (1977) Recut:

O vídeo foi criado para um concurso da AICE (Association of Independent Creative Editors), e acabou gerando uma febre entre os editores profissionais e amadores. Trailers apresentando diferentes temáticas para filmes clássicos, como a trilogia de “De Volta para o Futuro” (1985, 1989 e 1990), “Exterminador do Futuro” (1984) e “Mary Poppins” (1964), foram feitos. Para encontrá-los basta procurar por trailer+recut no youtube.

Veja abaixo os cartazes de Peter Stults e alguns de Sean Hartter:

Começa nesta sexta (03.02) e vai até quarta-feira (08.02) a segunda edição da VIP Art Fair, feira de arte online que reúne galerias de todo o mundo em um único site. Lá, podemos encontrar representadas galerias de arte e  exposições internacionalmente reconhecidas como, por exemplo, a mostra do polêmico Damien Hirst, “The complete Spot Paintings 1986-2011”, presente na Galeria Gagosian.

“Lanatoside B”, de Damien Hirst, na Galeria Gagosian ©Reprodução

O Brasil está representado por oito galerias (Luisa Strina, Raquel Arnaud, Fortes Vilaça, Millan, Gentil Carioca, Nara Roesler, Casa Triângulo e Mendes Wood) e por nomes como Franz Ackerman, Tunga e Laura Lima, com a série de transformações de cadeiras de design renomado em cadeiras de rodas.

Adaptação da cadeira “Paulistano”, do  arquiteto brasileiro Paulo Mendes da Rocha, por Laura Lima, representada pela Galeria Gentil Carioca ©Reprodução

A curadoria das várias galerias presentes ficou a cargo de James e Jane Cohan da galeria James Cohan Gallery, presente em Nova York e em Shangai. O site, depois do registo online, permite ver todos os quadros das exposições, com a opção de avaliar o tamanho da peça colocando-o ao lado do perfil de uma pessoa, conversar em um chat com a galeria responsável por cada peça e ainda assistir a performances livestream e previews.

Com a digitalização do mundo moderno, é natural que a internet se torne cada vez mais vitrine e instrumento de compra. Já tínhamos visto esta tendência na música e agora vemos também nas artes plásticas. Lembramos que Catrin Davies, editora sênior de Artes e Viagens do portal WGSN, em conversa com o FFW durante o Fashion Rio Inverno 2012, já se tinha referido ao fato de a internet ser uma plataforma importante como divulgação de um artista ou de uma galeria.

Exemplo de uma das páginas do site ©Reprodução

Em junho de 1972, com o lançamento do álbum conceitual “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, David Bowie conquistou o que poucos artistas conseguiram ao longo da história: criar canções e uma estética que revolucionaram o mundo e, 40 anos depois, continuam influenciando universos culturais tão abrangentes quanto a música e a moda.

Apesar de que até 1971 já tivesse lançado quatro discos bem-sucedidos, foi com o personagem “Ziggy Stardust” que David Bowie, nome artístico de David Robert Jones, atingiu o cerne da cultura jovem e desafiou as barreiras da sexualidade ao fabricar para si uma imagem cheia de androginia, que veio a se tornar símbolo da geração glam rock. “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” traz a história de um alienígena, encarnado pelo cantor inglês, que vem à Terra com o intuito de passar uma mensagem de esperança nos últimos cinco anos de existência do planeta, que iria acabar devido à falta de recursos naturais.

Ziggy Stardust ©Reprodução

Ziggy Stardust é a epítome da caricatura do rock star: promíscuo, egocêntrico, usuário de drogas e portador da paz. Acompanhado de Mick Ronson, Trevor Bolder e Mick Woodmansey, que constituíam as “Spiders from Mars”, David Bowie deu vida a verdadeiros espetáculos teatrais em seus concertos, tão impactantes e exaustivos que segundo o cantor converteu-se em uma necessidade íntima dissociar a persona de Ziggy de sua própria: em um curtíssimo período de tempo, o alter ego alcançou uma fama tão gigantesca que levou David Bowie a um vicioso ciclo de questionamentos.

A última performance de David Bowie como Ziggy Stardust aconteceu em três de julho de 1973 em Londres (e foi documentada em um filme de D.A. Pennebaker), no entanto, a figura do extraterrestre messiânico é até hoje referência: só nos últimos meses, as edições francesa e alemã da “Vogue” trouxeram em suas páginas (e, no caso da primeira, também na capa) Kate Moss e Daphne Guinness com perucas vermelhas e maquiagens poderosas em clara homenagem à personagem, isto sem contar as matérias em revistas especializadas em música, como a “Rolling Stone”, que estampou Bowie, ou melhor, Ziggy, em sua capa de fevereiro.

As onze canções presentes em “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” também se propagaram no tempo: a quantidade de covers de músicas como “Suffragette City”, “Starman” e “Moonage Daydream” é incontável. Nomes como Mr. Big, Alice In Chains, Boy George, Duran Duran, Red Hot Chilli Peppers e Guns n’ Roses já regravaram temas do álbum, além das versões nacionais na voz de Seu Jorge. No cinema, a herança do glam rock de David Bowie inspirou o filme britânico “Velvet Goldmine” (que, aliás, é o nome de uma música do cantor escrita na “era Ziggy Stardust”, mas só lançada em 1975).

Ziggy Stardust revisitado: Kate Moss e Daphne Guinness na pele do extraterrestre ©Reprodução

Capa da “Rolling Stone” de fevereiro de 2012 e Karolina Kurkova como Ziggy Stardust em editorial da “Viva! Moda” ©Reprodução

O “fim” de Ziggy Stardust em 1973 não é, porém, sinônimo do término de sua “carreira” como trendsetter: no mesmo ano, David Bowie lançou “Aladdin Sane” – o raio no rosto do cantor virou outro ícone da cultura ocidental, copiado por músicos e editores de moda – e, em 1976, “Station to Station”, onde Bowie deu vida ao Thin White Duke, nova persona inspirada no papel protagonizado pelo inglês no filme “The Man Who Fell to Earth”. Entre alter egos esquizofrênicos e 23 discos geniais, 40 anos são pouco para definir a extensão dessa obra e de como David Bowie mudou o mundo com glitter, e muita poesia.

A Jameson, marca de whisky irlandês vendida no Brasil, vai patrocinar pela primeira vez a Mostra SP de Fotografia, projeto anual que acontece na Vila Madalena dentro das comemorações do aniversário da cidade, entre os dias 25 de janeiro e 19 de fevereiro, em diversos pontos do bairro.

A Mostra SP de Fotografia, que conta também com o patrocínio da Canon, abrange várias áreas culturais, tais como moda, arquitetura, arte e fotojornalismo, e além das imagens espalhadas por lojas e galerias da Vila Madalena, vai  contar ainda com ações promocionais da Canon. Você pode acompanhar a programação no blog criado especificamente para a mostra.

A Aspicuelta, rua de lojas como Fernanda Yamamoto e Ronaldo Fraga, vai abrigar as exposições sobre moda. São elas: a exposição inédita do primeiro portfólio do fotógrafo de moda brasileiro Otto Stupakoff, cedidas pelo Instituto Moreira Salles, com imagens feitas entre 1955 e 1964 e que estarão expostas no Espaço Canon; as fotos de Paulo Vainer, que vão estar na loja do Ronaldo Fraga, reunidas em um caderno de polaroides que ilustram alguns dos seus ensaios; e a agência Fotosite, que vai apresentar algumas das suas fotos de “primeira fila” do São Paulo Fashion Week, um dos maiores eventos de moda da América Latina — as imagens terão uma visão mais romântica e artística do evento e estarão expostas na loja da estilista Fernanda Yamamoto.

Se você ainda não conhece, aproveite para dar um passeio pela Vila, visitar as exposições e se deliciar em um dos bairros mais modernos de São Paulo.

Onde:

Otto Stupakoff – Espaço Canon na R. Aspicuelta, 305. Segunda a sexta das 10h às 19h.

Paulo Vainer – Ronaldo Fraga (loja) na R. Aspicuelta, 259. Segunda a sexta das 10h às 19h; sábado das 10h às 16h.

Agência Fotosite – Fernanda Yamamoto (loja) na R. Aspicuelta, 441. Segunda a sexta, das 10h às 19h; sábados das 11h às 17h.

A maior – e mais famosa – premiação da indústria cinematográfica, o Oscar, acontece dia 26 de fevereiro nos Estados Unidos. Como aquecimento, o FFW destrincha os cinco filmes indicados a uma das categorias mais fascinantes do cinema: o figurino. Como habitual, os filmes de época prevalecem como destaques, mas este ano abrangem períodos bem distintos: da Inglaterra de Elizabeth I (século XVI) à Paris da década de 1930, passando pela Hollywood de 1920.

“ANONYMOUS”

“Anonymous”, 2011 ©Reprodução

“Anonymous”, 2011 ©Reprodução

O filme britânico “Anonymous” se passa na Inglaterra do século XVI e especula a verdadeira história de William Shakespeare. Em uma época dominada por intrigas políticas e romances ilegais, o longa-metragem dirigido por Roland Emmerich foca nas personagens masculinas. Em consequência, o figurino, desenvolvido por Lisy Christl, é repleto de indumentárias de cores escuras e terrosas, com direito a espartilhos, gibões, braguilhas, rufos e chapéus, além da inclusão de elementos tipicamente militares em algumas cenas. A Rainha Elizabeth I, único destaque feminino de “Anonymous”, é a responsável pelas roupas mais ornamentadas e em tons mais coloridos.

“JANE EYRE”

“Jane Eyre”, 2011 ©Reprodução

“Jane Eyre”, 2011 ©Reprodução

Escrito por Charlotte Brontë em 1847, “Jane Eyre” tornou-se um clássico da literatura inglesa e, como todas as obras literárias que se propagam no tempo e se transformam em “clássicos”, ganhou inúmeras adaptações para o cinema e televisão. Nesta versão de 2011, produzida pela rede britânica BBC e dirigida por Cary Fukunaga, o figurino da história da órfã que é rejeitada pela tia, vai viver em um colégio interno, converte-se em preceptora e depois em rica herdeira reflete todas as fases por que passa a jovem Jane: os vestidos escuros e em tecidos rústicos dão lugar, no final, a cores claras e leves, como a própria alma da protagonista. Michael O’Connor, o responsável pelo figurino do longa-metragem, é velho conhecido da Academia – ganhou o Oscar em 2008 na categoria por “A Duquesa”.

“O ARTISTA”

“O Artista”, 2011 ©Reprodução

“O Artista”, 2011 ©Reprodução

Pode parecer brincadeira, mas o filme sensação do ano é francês, preto e branco e mudo. Em “O Artista”, do diretor e roteirista Michel Hazanavicius, o glamour e a magia dos anos 1920 são capturados por meio da história de George Valentin (Jean Dujardin), astro do cinema mudo que cai no ostracismo com o surgimento das películas faladas, e Peppy Miller (Bérénice Bejo), aspirante à estrela. O figurino primoroso, desenvolvido pelo americano Mark Bridges, tem nos smokings, cartolas, vestidos de melindrosa e chapéus cloche os grandes destaques – uma pena que não possamos ver esses últimos em cores, mas faz parte do charme da produção.

“A INVENÇÃO DE HUGO CABRET”

“Hugo”, 2011 ©Reprodução

“Hugo”, 2011 ©Reprodução

Ambientado na Paris dos anos 1930, “A Invenção de Hugo Cabret”, dirigido por Martin Scorsese, conta a história de um garoto de 12 anos que perde o pai em um incêndio e passa a viver com o tio, relojoeiro que trabalha na estação ferroviária de Montparnasse mantendo os relógios sempre intactos. Após o desaparecimento do tio, Hugo tem que viver sozinho entre os muros da estação, mantendo os relógios, roubando comida e tentando finalizar o projeto que seu pai deixou antes de morrer: um robô autômato. O figurino do filme ficou a cargo da inglesa Sandy Powell, já indicada ao Oscar dez vezes na categoria (e vencedora de três: em 2009 por “A Jovem Rainha Victoria”, em 2004 por “O Aviador” e em 1998 por “Shakespeare Apaixonado”).

“W.E. – O ROMANCE DO SÉCULO”

“W.E.”, 2011 @Reprodução

“W.E.”, 2011 @Reprodução

O segundo filme de Madonna como diretora traz a trajetória real do Rei Edward VIII, que no final da década de 1930 abdicou do trono inglês para casar com a socialite americana (e divorciada duas vezes) Wallis Simpson. Paralelamente, é narrada a história ficcional de Wally Winthrop (Abbie Cornish) que, em 1998, é fascinada pelo amor de Wallis e Edward e busca conhecer a fundo os fatos do que considera como “o romance do século”. O figurino de “W.E.”, extremamente bem feito, foi elaborado por Arianne Phillips, stylist de Madonna há mais de uma década. A personagem de Wallis Simpson, vivida por Andrea Riseborough, ganhou um “guarda-roupa” de mais de 80 vestidos, entre os quais vários de marcas como Balenciaga, Christian Dior, John Galliano, Vionnet e Issa, além de joias Pierre Cartier e chapéus Stephen Jones (o figurino, aliás, fez tanto sucesso que ganhou um editorial na “Vanity Fair” americana).

+ Confira os indicados em outras categorias do Oscar 2012